Laurence Moletta est une compositrice, chanteuse et artiste multimédia française, née en 1979 à Roanne. Son parcours artistique est marqué par une exploration incessante des frontières entre la musique, la technologie et les arts visuels.

Elle débute sa formation en 2007 en obtenant un Diplôme d’Études Musicales en Composition Électroacoustique à l’École Nationale de Musique de Villeurbanne, où elle développe déjà un intérêt pour les nouvelles formes d’expression sonore. Par la suite, elle se perfectionne en Composition Acousmatique et Musique Appliquée à l’Image au Conservatoire Royal de Musique de Mons en Belgique, avant de poursuivre ses études avec des formations professionnelles au Centre des Écritures Contemporaines Numériques de Mons.

Dès lors, Laurence Moletta s’engage dans des recherches et développements novateurs, notamment dans le domaine de la captation du geste et des dispositifs interactifs. Sa résidence Art-Science avec le programme de recherche « numédiart » de la faculté polytechnique de Mons lui permet d’explorer la fusion entre la voix improvisée et les technologies interactives, ouvrant la voie à une série de créations audacieuses.

Entre 2010 et 2013, elle collabore avec le programmeur Alexis Boilley , puis interface Z pour la partie électronique pour concevoir des gants capteurs de mouvements, donnant naissance à plusieurs prototypes novateurs. Cette période marque le début d’une carrière prolifique en tant que directrice artistique, compositrice et performeuse, avec des créations telles que «Le Couloir des Pas Perdus», une petite forme d’opéra numérique, présentée avec succès dans divers théâtres belges. Laurence Moletta est seule en scène accompagnée d’une création vidéo de Stéphane Broc dans un dispositif immersif d’écran.  Laurence Moletta plonge le public dans un voyage émotionnel à travers douze récits poignants et parfois bouleversants sur le thème de la naissance. Ces récits, collectés au fil des rencontres, sont intégrés dans un univers musical unique, où la voix de l’artiste est augmentée de ses gants capteurs de mouvements. Joué au Festival Voix de Femmes à Liège ; également dans le cadre de Peruwelz ville de mots; au Forum de la francophonie à la Cité Miroir à Liège; à la Maison de l’Arbre à Montreuil et à la Fabrique de Théâtre à Framerie.

En 2016, Laurence Moletta franchit une nouvelle étape en enregistrant son premier album solo, «Noza Orus», où sa voix improvisée dialogue avec les gants capteurs de mouvements, créant ainsi une expérience musicale immersive et innovante. Cette exploration de l’improvisation musicale en temps réel se poursuit avec la création du duo «Noza Orus», où musique et vidéo s’entremêlent dans un spectacle captivant. En collaboration avec Véronique Binst, qui manipule en direct une multitude d’images créer en temps réel qui fut joué notamment au Festival de musique contemporaine Ars Musica et dans des espaces plus intimistes comme une yourte, en projection sur les murs d’un hameau de montage en Italie…

Au fil des années, Laurence Moletta élargit son champ d’action en participant à des projets radiophoniques et en créant des parcours sonores immersifs géolocalisés, explorant de nouvelles formes de narration sonore et visuelle. Son travail l’a amenée à collaborer avec des institutions prestigieuses telles que la Comédie Française et la Comédie de Saint-Étienne. Elle a notamment réalisé trois parcours sonores géolocalisés, intitulés «Traces» à Thizy-les-Bourgs,  «De visages en rivages» à Huriel,  et un autre en réalité augmentée nommé «De fil en aiguille» à Cours-la-Ville. Laurence s’implique dans chaque étape de la création des ces parcours, de l’interview à la composition sonore en passant par le montage et le mixage. Ces parcours sont consultables via un téléphone portable avec l’application Izi.Travel. Et disponible pour « De fil en aiguille »  sur les casques VR des Micro-Folies de la Communauté d’agglomération Ouest Rhodanien.

Laurence Moletta s’associe en 2020 à la Compagnie Dynamo pour composer la musique du spectacle «Autre» de Virginie Barjonet, une production alliant danse et théâtre, où elle intervient également en tant que chanteuse interprète. Ce spectacle est actuellement en tournée. Par ailleurs, elle contribue en tant que réalisatrice sonore aux projets d’éducation artistique et culturelle de la Compagnie La Bande Passante, enrichissant ainsi le paysage culturel par ses talents polyvalents. 

Plus récemment, son intérêt pour la réalité virtuelle l’a conduite à participer au European Creator Lab, où elle a appris à concevoir et développer des expériences multi-joueurs novatrices en collaboration avec d’autres créateurs. Son projet «La Symphonie des Profondeurs » crée en collaboration de Cinzia Fossati illustre son engagement continu à repousser les limites de l’expression artistique à travers les nouvelles technologies.

Laurence Moletta continue d’explorer de nouveaux horizons artistiques, mêlant musique, technologie et arts visuels pour créer des expériences immersives et sensorielles uniques, affirmant ainsi sa place parmi les artistes les plus innovants de sa génération.

Liens vers mes créations :  Les parcours sonores

TRACES : https://izi.travel/fr/c306-traces/fr

DE FIL EN AIGUILLE : https://izi.travel/fr/20d5-de-fil-en-aiguille/fr

DE VISAGES EN RIVAGES : https://izi.travel/fr/b41f-de-visages-en-rivages-huriel/fr

Cinzia Fossati est une artiste polyvalente active dans la creation de costumes et de décors. Avec une solide formation académique en scénographie et en architecture et d’une riche expérience professionnelle dans le cinéma et le théâtre, elle allie créativité et expertise technique pour donner vie aux personnages et aux espaces. Ses créations ont honoré les scènes des principaux théâtres d’Allemagne, de Suisse et d’autres pays européens et ont contribué au succès de plus de 20 courts métrages, 3 longs métrages, campagnes sociales et installations multimédias. La curiosité de Cinzia s’étend au-delà de ses efforts professionnels. Elle est particulièrement fascinée par la nature, l’art, la science et la technologie, explorant continuellement de nouveaux médias, disciplines et techniques pour enrichir sa pratique du design. C’est surtout dans la réalité virtuelle (VR) que Cinzia sent toutes ses passions converger en une expérience singulière.
Tout au long de l’année 2023 Cinzia a participé aux laboratoires de VR European Creators’ Lab pour pouvoir commencer à travailler sur sa première expérience VR.

Danseur et performeur, Kiyan Khoshoie se forme à la Rotterdam Dance Academy. Il travaille pour des compagnies comme It Dansa Barcelone, Dansgroep Amsterdam, Scapino Ballet Rotterdam et Maas Theater and Dans avec Cecilia Moisio. Il est également interprète et assistant pour la chorégraphe suisse Tabea Martin. En 2018, il débute sa collaboration avec la comédienne Charlotte Dumartheray, ensemble, ils créent le seul en scène Grand Écart, sélectionné aux Swiss Dance Days 2021 et au Chainon Manquant 2021 (FR). Kiyan est également comédien au théâtre pour le NOF sous la direction de Julien Chavaz et dans The Glass Room de Leili Ella Yahr. En 2022, il sera chorégraphe pour l’opéra contemporain Le Dragon d’Or à la Nouvelle Comédie de Genève. Parallèlement, il est professeur invité pour la formation professionnelle de Dance Area, le Ballet Junior et le CFC de danseur interprète de Genève. 

Charlotte Dumartheray est une comédienne et metteure en scène suisse diplômée de la Haute École de Théâtre de Suisse Romande, la Manufacture (2012). Au théâtre, elle joue notamment sous la direction de Jean Liermier (Antigone, 2012), Laurent Pelly (Mangeront-ils ? 2012 / Le Songe d’une nuit d’été, 2014-2016), Magali Tosato (Amour/luxe, 2017), Yvan Rihs (Nino, 2017), Joan Mompart (Mon chien-dieu, 2017- 2018), Manon Krüttli (Le large existe, 2019), Natacha Koutchoumov (Summer Break, 2018 et Après Hamlet, 2021) et Clément Hervieu-Léger (Une des dernières soirées de Carnaval, 2019-20). Elle est également l’actrice principale de la série «La vie sur Vénus» (2015) réalisée par Géraldine Rod et coproduite par la RTS. Comme metteur en scène, elle signe les spectacles On m’appelait Judith Scott de Pascal Rebetez (2016), Mambo Miam Miam (2017) et Grand Écart avec le danseur Kiyan Khoshoie (2019). 

SIGMA_SIX est un studio expérimental, basé à Genève, combinant un large spectre de pratiques au bénéfice de la scénographie, la muséographie, et des installations interactives.

Chaque projet est une réappropriation de différentes technologies associées au design de l’espace ou d’objet, afin de développer des expériences uniques.

Le studio met un point d’orgue à proposer des réalisations ayant une touche de magie et de poésie, obtenues en permettant à des techniques éloignées de cohabiter. L’ambition d’intégrer la technologie au point de la faire disparaitre, laisse place à l’émerveillement et au ressenti.

Initié en 2004 par les artistes suisses Eric Morzier et Florian Pittet, tous deux issus de l’Ecole Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL), SIGMA_SIX travaille autant pour des créations artistiques et personnelles que pour des commandes commerciales ou de consulting.

Aujourd’hui, le studio est formé d’une équipe de designers entourés d’un pôle d’indépendants permettant aux projets et idées d’être menés à bien malgré les défis imposés par les concepts.

2019 Variations — Le Commun

2016 Live — Concerts Rush Hour, OSR/HEAD, Victoria Hall

2015 Live — Concert de Noël, OCG, Victoria Hall

2015 Niche — Musée d’Art et d’Histoire

2014 Live — Présences Electroniques

2014 Live — Fête de la musique

2013 Vertical Surround — Festival de La Bâtie

2013 Installation interactive — Mapping Festival

2012 Installation audiovisuelle — Electron Festival

2009 Installation interactive — Mapping Festival

2006 Live — Electron Festival, Geneva Switzerland

2005 Live — Mapping Festival, Geneva Switzerland

D’origine japonaise, Lucien Salmon est essentiellement nouvelliste. Son univers est orienté sur l’onirique, l’absurde ou simplement le processus de création artistique qu’il soit plastique ou littéraire. Passé par quelques expériences cinématographiques, comme l’écriture de scénarios, il a réalisé un court-métrage, intitulé Atelier 5 , qui explore le travail du céramiste Yusuké Y. Offhause. Un roman L’usine infernale dont l’action est une métafiction, à savoir un livre dans le livre, est en cours de réécriture aux éditions de L’Abat-Jour. Actuellement, il vient d’entamer un travail d’écriture théâtral intitulé Triptyque loufoque respectivement autour de la science, de l’art et de l’amour. Ses influences touchent autant à Franz Kafka, Elfriede Jelinek, qu’à Anton Tchekhov ou Nathalie Sarraute.

Laurent Novac vit et travaille à Genève au sein du studio z1 qu’il a co-fondé avec Camille de Dieu en 2016,
En parallèle à son activité au sein du collectif d’artistes supermafia (Neuchâtel) entre 2004 et 2013, il étudie l’ingénierie logiciel afin de répondre au besoin de ses desseins artistiques. Suite à cela, différente collaborations lui permettront d’opérer sur la scène international dans la création d’œuvres audiovisuelles. SAT (Montréal), Mapping Festival (Genève), Bam Festival (Liège), Whiteline (Strasbourg, Metz), Harvestworks (NYC), Animal Farm (Saïgon, Vietnam), …
Au sein du studio z1 avec sa partenaire Camille de Dieu, il créeront entre autre les oeuvres, Otiosi (Tout Bleu, 2023), Ever’ett (2022), Virtual Crossings (w/ Cie Gilles Jobin, 2022), Divine Nature (2021), Fear of Murmuration (2019), Nova Land (2018), …
Il enseigne également à EPFL et à la Head depuis 2016, l’art et le design génératif.

Après avoir obtenu un master en Media Design à la HEAD-Genève en 2013, Camille de Dieu développe sa pratique artistique autour des outils numériques pour créer des nouveaux territoires et de nouvelles zones de rencontres entre vidéo, espace et son.
En 2016 elle co fonde le studio Z1 avec Laurent Novac. Elle crée différentes installations proposant à chaque fois une nouvelle appréhension de lieu, comme à travers le projet H.S.M où elle propose une visite sur une meta-metéorite à partir d’image d’archives collectées auprès de la NASA, en 2016.
La scène est aussi un espace d’exploration où elle met en place différentes performances temps réel lui permettant d’explorer cet espace qu’est le temps dans des projets spéculatifs, comme en 2019 avec D100’sTrace qui est un voyage au coeur d’une trace de météorite.
Egalement sensibilisée par l’actualité qui l’entoure, elle gagne une résidence en 2018 au CERCCO, une résidence de céramique, ou elle crée des archives d’iceberg, dans le but de laisser une trace de ce qui est amené a disparaître sans en laisser justement. Son travail fait entièrement écho à sa recherche menée au sein du studio.
Elle est professeure invitée au sein du Master Media Design de la HEAD-GEnève et à l’Epfl.

Géraldine Rod est née en 1986 à Lausanne. Après des premiers stages sur des plateaux de cinéma, elle étudie à la Haute Ecole d’Arts et de Design de Genève HEAD, puis fait un échange à Concordia University à Montréal dans l’école de cinéma Mel Oppenheim à Montréal, elle réalise So Perfect ! un court-métrage surréaliste qui a parcouru de nombreux festivals internationaux. Puis elle fait un master cinéma/télévision, à la Haute École d’Arts et Medias de Cologne KHM, durant lequel elle réalise deux court-métrages Eskapop et Rat de marée ainsi que la vidéo de la pièce de théâtre Shut up and let me know.
À la fin de ses études, elle écrit et réalise la série transmédia La Vie sur Vénus, en co-production avec la RTS. Au fil des années, elle a travaillé en tant qu’assistante de réalisation, scénariste et directrice de production, sur des films suisses et étrangers. De 2015 à 2017, elle est responsable de l’équipe vidéo du CHUV. Elle est membre du comité de l’ARF/FDS et responsable du programme réalisation fiction de FOCAL. Après le court-métrage «Fièvre», elle écrit actuellement, avec la scénariste Julie Gilbert, de son premier long-métrage ainsi qu’un court-métrage avec Charlotte Dumartheray et Kiyan Khoshoie comme interprètes.

Après un Bachelor en Media & Interactive Design à l’ECAL (Ecole Cantonale d’Art de Lausanne), Simon de Diesbach cofonde le studio fragment.in avec lequel il développe divers projets d’innovations interactives. Motivé par l’envie de parfaire ses connaissances dans la narration et le cinéma, il quitte le studio en 2018 pour entreprendre un Master en Film à la HSLU D&K (Hochschule Luzern – Design & Kunst). La recherche théorique et pratique sur de nouvelles approches technologiques et esthétiques représente un intérêt majeur de l’artiste qui expose en Suisse et à l’étranger.

Simon de Diesbach travaille actuellement à la HSLU D&K en tant que collaborateur artistique sur un projet de recherche à long terme soutenu par le FNS (Fonds national suisse), explorant de nouvelles manières d’accéder aux archives du théoricien Siegfried Kracauer, notamment par le biais de la VR. Simon de Diesbach donne également régulièrement des workshops en animation et en design à l’eikon (Ecole professionnelle en arts appliqués du Canton de Fribourg) et à l’Eracom (Ecole romande d’arts et communication).

Une sélection de projets

2022 Limites, court métrage, 6’30 minutes

2021 Gespenster, short dance films, Natascha Moschini

2021 Limites II / Limites III, série d’impressions

2021 Horizon, Swear I love you, music video

2019 Cornered, Episode 1, vidéos conçues pour la VR

2017 I, sculptures, en collaboration avec Romain de Diesbach

2017 Black&Lights, installation interactive, en collaboration avec fragment.in

2016 2199, installation interactive, en collaboration avec fragment.in

2016 La garde, installation interactive, en collaboration avec fragment.in, Anita Hugi et David Dufresne srg-ssr-art

2014 Computer Orchestra, installation interactive, en collaboration avec Jonas Lacote et Laura Perrenoud

2014 OccultUs, installation interactive, en collaboration avec fragment.in

Une sélection d’expositions

2021 Limites II /Limites III, Musée des Beaux Art, 74e Biennale d’Art Contemporain: Une brève histoire des marges, La Chaux-de-Fonds

2020 I, Ludwig Museum of Contemporary Art, Budapest, Hungary

2019 I, Mapping Festival, Genève

2017 I, Villa Bernasconi, Grand Lancy

2017 OccultUs, Fantoche International Film Festival, Baden

2017 2199, Haus der elektronischen Künste HeK, The Unframed World, Basel

2017 Black&Lights, EPFL Pavillon: Noir c’est Noir? Les Outrenoirs de Pierre Soulages, 2016 une exposition à la croisée de l’art et de la science, Lausanne

2016 La Garde, Dadadata.net, 45e Festival du nouveau cinéma, Montréal

2016 Computer Orchestra, TEDx PlaceDesNations, Genève

2016 La Garde, Dadadata.net, Locarno Film Festival, Locarno

2016 La Garde, Dadadata.net, Gare centrale, Zurich

2016 La Garde, Dadadata.net, Musée d’histoire naturelle, Zurich

2016 Computer Orchestra, Rc4 Festival, Oi Futuro, Ipanema, Brésil 

2015 Computer Orchestra, Saint-Ex, nuitnumérique#12, Reims

2015 OccultUs, Digit@rt: le tournant numérique de l’art, Genève

2015 Collide Pro Helvetia 2015 AWARD, Arts at CERN

Une sélection de conférences

2017 Forum: Rencontre autour des nouvelles méthodes de narration, Flux laboratory, Genève

2016 Conférence avec fragment.in, Ligature, Connexion 5, Lausanne

2015 Conférence avec fragment.in, Arts at CERN

2015 Conférence avec fragment.in, Circle of Light, Moscow

Mai Hua est une artiste française d’origine Vietnamienne basée à Paris. Color Designer (Louis Vuitton, Issey Miyake, Giorgio Armani), Réalisatrice et Autrice du blog philosophique maihua.fr, Mai explore nos liens à l’intime, à la quête de vérité et à la spiritualité. Ses 2 documentaires, LES RIVIÈRES, une archéologie familiale sur sa lignée de femmes, et MAKE ME A MAN, proposant de nouveaux modèles de masculinité en lien avec la thérapie, explorent ces notions avec une intensité contemporaine et une intelligence émotionnelle fulgurantes. Mai travail actuellement à l’écriture de son premier livre, avec les éditions de L’Iconoclaste.

Mai HUA fait partie d’une communauté connectée et collaborative plus large que son propre univers créatif et intellectuel. Féminin, féminisme, genre, créativité, santé mentale et physique, expérience en conscience modifiée… Mai est sans cesse sollicitée pour partager ses cheminements intimes, et les mettre au service du collectif. Voici quelques podcasts sur lesquels elle a été amenée à s’exprimer. Chacune de ses apparitions devient l’un des épisodes les plus écoutés de l’émission; celles-ci réunissent près de 250 000 écoutes.

> L’humanisme pour réinventer les masculinités sur Vlan
> La peur d’être une femme sur Balance Ta Peur
> Connaître ses côtés sombres pour être une personne entière sur Vlan
> Le mental, le physique, le spirituel et l’écologique, les 4 facettes d’une santé saine sur Bouge ton Curcuma
> La relation sexuelle est une histoire de connexion et de vérité sur Entre Nos Lèvres
> La Beauté et la Féminité sur Regard

Collègues de longue date, Augustin von Arx et Léonard Persoz ont participé à la création de plusieurs projets communs (Le Roi Angus, Magic & Naked). Ils se sont révélés une belle complicité sur les choix artistiques ainsi que sur l’approche de la création musicale en général. Depuis quelques années, ils ont décidé de former un binôme de production avec lequel ils ont pu se tester et se perfectionner à travers diverses expériences.

Ils ont déjà eu l’occasion de participer à plusieurs projets de musique de film, en créant notamment la BO de Lettres en ton nom et en participant dernièrement à celle du nouveau film des frères Larrieu TRALALA , en passant par de la composition de spots publicitaires, ou encore de la production artistique.

Le duo développe une affinité particulière pour la musique adaptée à l’image. L’envie de transcrire les émotions en musique, peindre des paysages à l’aide de sonorités spécifiques à une couleur, supporter une atmosphère, sont des choses qui les animent et leur font ressentir leur passion pleinement. Cela leur paraît fondamental dans le processus de création de comprendre la sensibilité d’un.e réalisateur.trice et de ces acteur.trice.s, et la mettre en valeur grâce aux différents instruments judicieusement sélectionnés, et d’entremêler les sens pour obtenir un ensemble parfait dans les registres les plus divers.

Le prochain projet envisagé par le duo est un album né de leurs expériences personnelles dans la « composition pittoresque », réalisé ces trois dernières années en collaboration avec des chanteuses et chanteurs de talents.

« TRALALA » – Réalisation : Les Frères Larrieu (SBS Production / ARTE, 2021)
– Composition : Phillipe Katerine, Etienne Daho, Betrand Belin, Dominique A
– Réalisation musicale : Renaud Letang
– Interprétation : Augustin von Arx, Léonard Persoz, Etienne Daho, Infinite Bisous

« Lettres en ton nom » – Réalisation : Alexandre Schild (Tell me the Story / RTS, 2021)
– Composition et Réalisation musicale : Augustin von Arx, Léonard Persoz

« Demain Genève » – Réalisation : Elisabete Fernandes, Grégory Chollet (2018)
– Extraits de Human Expression – Magic & Naked et Iles Essentiel – Le Roi Angus

« Bon Baisers de Genève » – Série de capsules vidéos pour la Ville de Genève (2017-2019)
– Réalisation : Nicky Keller
– Composition et Réalisation musicale : Augustin von Arx, Léonard Persoz

« Granuleuses Rêveries » – Réalisation : Alexandre Schild (2017)
– Composition et Réalisation musicale : Le Roi Angus

A 44 ans Hélène Faget, est productrice dans l’âme, elle accompagne des projets artistiques depuis plus de 20 ans. 

Diplômée d’un double Master en droit et développement culturel de la ville des universités de Toulouse et La Rochelle (France), Hélène fait ses débuts dans la production de spectacle vivant auprès du Centre National des Arts de la rue à Marseille, Lille 2004 Capitale Européenne de la Culture ou encore l’Athénée Théâtre Louis Jouvet à Paris. Elle fait ensuite ses armes dans la production audiovisuelle pendant plus de huit ans au sein du groupe audiovisuel Point Prod à Genève (Suisse) aux postes de chargée de production fiction et documentaire et productrice exécutive sur des projets de série TV, des unitaires en coproduction avec la France, la Belgique ou encore le Canada. 

Elle travaille en collaboration avec les chaînes de télévision telles que la RTS – Radio Télévision Suisse, ARTE, France Télévisions et la RTBF, et développe ainsi un réseau francophone européen et international. 

Passionnée par la narration sous toutes ses formes et par la créativité qu’offrent les nouveaux supports digitaux, Hélène accompagne au sein de Tell me the Story, auteurs, réalisateurs et responsables de communication au développement et à la production d’écritures audiovisuelles, digitales, interactives ou immersives, en travaillant un éditorial et une production en adéquation avec son support et son public.

Membre du Comité programmatique du Pôle de création numérique.

Présidente de l’association XN Swiss.

Camille est une cinéaste originaire de La Chaux-de-Fonds, ville pour laquelle elle voue un attachement particulier. 

De 2006 à 2009, elle suit le cursus en philosophie au Lycée Blaise-Cendrars et elle fait partie d’un collectif de cinéma basé à La Chaux-de-Fonds, L’Expire Mental, où elle découvre sa passion pour le cinéma. En 2013, elle obtient un Bachelor en cinéma et cinéma du réel de la HEAD (Haute Ecole d’Art et de Design de Genève).

En 2011, sa fiction Nature Humaine est sélectionnée au Festival de Locarno. Après obtention de son diplôme, elle revient s’installer à La Chaux-de-Fonds et y redécouvre un univers artistique foisonnant qui la remplit d’une énergie nouvelle. 

De 2013 à aujourd’hui, Camille de Pietro se consacre totalement à son art et collabore avec de nombreu·ses·x musicien·ne·s et des personnes venant de milieux différents pour des vidéos promotionnelles ou artistiques. Elle met en images les univers musicaux de nombreux groupes comme Koqa Beatbox, Arthur Henry, Louis Jucker, Giulia Dabalà ou encore Emilie Zoé. À partir de 2017, elle a aussi souvent l’occasion de travailler avec le milieu du théâtre neuchâtelois. 

En 2019, la vidéaste est mandatée pour réaliser un film sur la modiste Dolly Fankhauser. Elle consacre donc un documentaire sur la tenancière d’une boutique de chapeaux, figure emblématique de la Métropole horlogère depuis 62 ans. L’artiste de 28 ans bouillonne de projets personnels aussi décalés qu’engagés. Comme le projet Blue Vulvettes – le sexe féminin existe, lauréat du prix du Jury au festival 2300 Plan 9 et sélectionné au 55ème Journées de Soleure. Camille de Pietro se sert du cinéma pour aborder des sujets vastes, mais qui, à chaque fois, la touchent et l’interpellent. Les rencontres, le monde de l’enfance et le féminisme sont les fils rouges de ses projets.

 Filmographie  : 

2011 : Galaxie Gramophone, documentaire, 7’ (sélections : Vision du réel)

2011 : Nature humaine, fiction, 4’ (sélections : Festival de Locarno

2011 / Vision du réel 2011)

2012 : La cuisine des rêves, essai, 10’ (sélections : Kurzfilmtage

Winterthur 2012)

2013 : La Vy au Loup, documentaire, 20’ (sélections : Vision du réel 2014)

2016 : Koqa Beatbox – I’m not, clip musical, 5’

2018 : Arthur Henry – Who Am I, série de clip musicaux

2018 : Giulia Dabalà, Calling Me, clip musical 4’

2018 : Emilie Zoé, Tiger Song (live in the studio 2018), clip musical, 5’

2019 : Blue Vulvettes (le sexe féminin existe), fiction, 10’ (prix du Jury 2019 au festival 2300 Plan 9 et sélection : Journées de Soleure 2020)

2019 : KØDE, Heloise, clip musical, 3′

2020 : Dolly, documentaire, 30’

2020 : Le 24, fiction, fiction co-écrite avec Thierry Romanens, 5’

2020 : Cinq, L’enfance, clip musical, 4′

Costumière et scénariste indépendante franco-suisse, Marie Romanens est une féministe et écologiste engagée, ses visions se traduisent dans sa pratique artistique à travers les projets qu’elle porte dans les domaines des arts-vivants et de l’audiovisuel depuis 2015. Après une formation de couture à l’EAA-ECL et une maturité artistique à l’ERACOM en 2011, elle se dirige d’abord vers le milieu de la mode qu’elle explore dans sa dimension artistique, journalistique et politique, en créant une marque de vêtements recyclés et en écrivant pour différents journaux romands. Parallèlement, elle travaille à la production et à la réalisation de projets pour les médias audiovisuels suisse. C’est notamment par ce biais qu’elle (re)découvre, en 2015, sa passion pour le costume et le théâtre qui l’amènent à collaborer avec diverses compagnies suisse-romandes. En été 2017, portée par une envie de création collective, elle cofonde la Dérivée, lieu éphémère de culture, de cohésion sociale et d’écologie. L’année suivante, elle affine sa plume en écrivant pour les saisons 2 et 3 de la série documentaire « Aujourd’hui » diffusée sur la RTS. En novembre 2020, elle suit une formation continue (CAS) en dramaturgie et performance du texte de l’UNIL et de la Manufacture HES-SO, pour développer sa pratique artistique. Actuellement, elle partage son emploi du temps entre son travail de costumière et celui de scénariste, à travers une série de fiction sur le plaisir et la sexualité pour les adolescent.e.s, une œuvre plus personnelle et engagée, coproduite par la RTS. Finalement, ses engagements sont le moteur de ses projets et l’amènent constamment à se questionner.

Camille Tomatala est née à Genève en 1991. Intègre la HEAD en 2011, en section Art Visuels, où elle étudie et pratique la vidéo. En 2012, elle intègre le département cinéma / cinéma du réel en 2012, un autre moyen d’expression lui permettant d’explorer encore les possibilités du langage. En 2014, dans cette obsession de trouver un point de ralliement entre image et texte, part s’installer à Paris pour, entre autres, un long stage aux éditions P.O.L puis y reste quelques années avant de revenir uniquement au cinéma. Elle vit et travaille aujourd’hui à Genève.

Xavier Loira est né à Genève. Il commence le théâtre au début des années 90 en suivant des cours pour enfants et adolescents. A la fin des années 90, il est engagé par Claude Stratz (Sa majesté des mouches, un ennemi du peuple), puis par Luc Bondy (En attendant Godot) et Patrice Chéreau (Intimacy) qui le font travailler dans leurs productions. Dans la foulée, il interprète Peter Pan à Amstramgram, mis en scène par Jean Liermier en 2000, puis repris en 2005.

Il part à Paris où il travaille avec Philippe Calvario (Cymbeline, Les débutantes) et Karin Serres (Colza) notamment. De retour à Genève où il collabore avec Dominique Catton à Amstramgram (Petit Navire, Alice et autres merveilles) et Anne Bisang à la Comédie de Genève (Roméo et Juliette).

Parallèlement, il crée le personnage de Bambi Cash, DJ et performer. Il passe de la musique et/ ou fait des performances live dans divers espaces d’art ou lieux de fête (Attitudes, Zoo, PTR, L’écurie…). En 2007, il rejoint Berlin afin d’étoffer Bambi Cash. Il y reste deux ans pendant lesquels il compose un album (Boys and Flowers), réalise quelques vidéoclips (Acid Rocking,…) et performe régulièrement (White Trash, Barbie Deinhof…)

En 2009, il rentre à Genève et rencontre Guy Jutard, directeur du Théâtre de Marionnettes de Genève. Il devient son assistant jusqu’à sa retraite en 2015. Il collabore sur plusieurs projets en tant qu’assistant (Les lois du marché, etc…) ou comédien-manipulateur (Le vilain petit mouton, rififi rue Rodo, La promenade du roi). Il met en scène « Loulou » d’après Solotareff, un projet de Laure- Isabelle Blanchet avec Chine Curchod. Je crée également la série radiophonique « Les boules de Berlin, chroniques d’un loser post-moderne » diffusée sur One FM pendant l’émission Electrobazar.

En 2014, il rencontre la metteur en scène Antea Tomicic (Shopping and Fucking).
 
En 2016, il est diplômé en « dramaturgie et performance du texte » par la Manufacture-Université de Lausanne. Début 2017, il monte une exposition personnelle (Here i am and there is my body dancing on glass) à la galerie Ruine à Genève, où il expose des travaux photographiques, une installation sonore avec la collaboration d’Antea Tomicic, et une installation performative avec la collaboration d’Helena Patricio.

2017 marque également sa collaboration avec la compagnie Royal Deluxe (Jean-Luc Courcoult) en tournée avec les Géants à Genève. L’année se termine sur une version d’Hamlet montée par Eric Devanthéry au théâtre Pitoeff.

2018 débute avec une reprise de spectacle jeune public (Le p’tit coin), créé par la compagnie des Grandes Fragiles en 2016, en tournée romande. Puis, il interprète B dans la pièce de Sarah Kane «crave », mise en scène par Antea Tomicic à la Gravière et enfin je reprends un rôle, en anglais, dans une pièce de Victoria Baumgartner, « Will or eight lost years in the life of young shakespeare» en tournée à Sion (CH) et à Stuttgart (DE).

En 2019, il se forme à la gestion de projets culturels avec l’association ARTOS et se lance dans la production de projets personnels. Il commence également une collaboration avec la troupe valaisanne Interface en tant que danseur/comédien.

Jérémie Cuvillier est réalisateur pour la télévision. Il partage son activité entre captations de spectacles et documentaires de création.

Depuis 2008 il réalise des portraits d’artistes et des reportages autour des créations au sein des grands festivals tels que le Verbier Festival, le festival d’art lyrique d’Aix-en-Provence ou encore le festival d’Avignon. Il écrit et réalise les films de la collection Pass-Pass Théâtre pour Arte destinée au jeune public. Son parcours dans le théâtre le mène à rencontrer de nombreux metteurs en scène et à réaliser plusieurs films à leurs côtés. Avec notamment A théâtre ouvert, diffusé sur Arte à l’occasion du centenaire de Jean Vilar, ou encore Durassong, une aventure de théâtre sur les traces de Marguerite Duras en Inde. En 2016, il passe trois mois auprès du metteur en scène allemand Thomas Ostermeier sur la création de La Mouette à Vidy-Lausanne, et réalise un film pour Arte autour de ce travail. Il poursuit son expérience en alternant documentaires et captations de spectacles. Régulièrement convié à travailler au Teatro Real de Madrid, c’est là qu’il filme en 2017, le très remarqué Billy Budd mis en scène par Deborah Warner (nombreux prix dont le diapason d’or 2018 du meilleur DVD BBC 2018). Puis un musical de Kurt Weill, Street Scene (nominé à l’International Opera Awards 2020 dans la catégorie meilleure réalisation). Cette même année, il rencontre Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre dans le cadre de leur création Hospitalités, pour laquelle il réalise les vidéos du spectacle. En 2019, il les retrouve à Vidy-Lausanne pour la réalisation du spectacle Le concours européen de la chanson philosophique.

Dans ses films documentaires tout comme dans les spectacles qu’il est amené à filmer s’expriment les questions que l’homme se pose sur lui-même. Sur sa manière de se définir dans le monde et dans sa propre histoire.

Né en 1999 à Genève, Alexandre Schild est un réalisateur autodidacte. Il réalise son premier court métrage, Granuleuse rêverie, durant l’été 2017. Il tourne ensuite son deuxième court métrage, Idylle Martyre (2019), qui est sélectionné dans plusieurs festivals et remporte également le deuxième prix au festival de Schaffhouse. Entre 2019 et 2021 il réalise des clips vidéos pour les Rebels of Tijuana, Kacimi, Baron.e ou encore Lukas Ionesco. L E T T R E S EN TON NOM est son nouveau court métrage, son premier film produit.